El nombre Fulcro es ¡genial! La palabra significa en física el punto de apoyo de la palanca. Con ese nombre se reunieron cuatro personas para promover arte. La palanca es considerada una de las máquinas simples, consta de una barra rígida que gira libremente alrededor de un punto de apoyo y permite multiplicar la fuerza aplicada a un objeto.

Cecilia Quinteros Maccio es egresada de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, en la especialidad pintura. En este momento está terminando la Licenciatura en Curaduría y Gestión de Arte en Buenos Aires en la Escuela Superior de Estudios de Administración de Empresas. Gabriel Toscano ha egresado también de la facultad acá en Tucumán y es técnico no docente ahí. María Eugenia Correa se ha recibido de licenciada en artes en la misma facultad y pinta en formatos pequeños porque considera es el tamaño perfecto para lo que hace. Matías Covian hace gestión y producción de obras de arte. Llegaron para contar lo que hacen y en la relación que mostraron aparece un ensamble muy bien articulado. Hablaron individualmente pero emergió un derrotero unívoco.

- ¿Cómo se arma el grupo?

Cecilia: Inicialmente éramos 3 y se arma, más que nada, por inquietudes que surgen cuando nos ponemos a pensar como egresados de la Facultad de Artes que cosas sentíamos que estaban faltando. En qué cosas nos sentíamos abandonados al terminar la carrera. Charlando un poco decidimos en vez de quedarnos en la queja cómo podemos tener un tipo de iniciativa que sirva para cambiar esta realidad. Entonces nos conformamos en un grupo que no teníamos ni nombre y armamos una primera experiencia llamada “Caps (Centro de Asistencia Primaria) de Arte”. Es una especie de taller o clínica que se llevaba a cabo durante tres meses para hacer un seguimiento de los artistas y su producción. En el medio se iba dialogando con los especialistas sobre cómo pensaban los artistas que su obra podía seguir después de la facultad. Eso ha sido inicialmente. Después, a medida que ha ido creciendo el proyecto nos dábamos cuenta que teníamos que tener un nombre que nos identificara. Ahí aparece el nombre del grupo: Fulcro.

- ¿Qué es para Uds la cultura?

Matías: Así rápidamente, no sé es muy profunda la pregunta.

- ¿Cuáles son las cosas que hay que visibilizarlas?

Sin duda las culturales porque pertenecen a toda la sociedad. Construyen la sociedad las actividades culturales.

Gabriel: Actualmente lo que hay que visibilizar es trabajo más que nada y todo lo que es plástica, lo que es música: el trabajo que hay. Tratar de ser un poco profesional dentro de ello, mostrar las obras de los pibes, los nuevos artistas, lo que hay en la escena local, cosa que sí se está dando. Apoyar un poco más a ellos.

- ¿Por qué crees que hay que visibilizarlo?

Porque es parte de la formación del ser, es parte de la formación del pueblo, de la sociedad. Yo creo que sin cultura no vive un pueblo, no se forma, básicamente.

- ¿En qué parte de cultura estás insertada?

Eugenia: Todo integrante de la sociedad está inmerso en la cultura, de un modo o de otro. Estoy en la parte plástica, me dedico a los dibujos y a la pintura. Pero a la vez dentro de nuestras necesidades queríamos buscar una forma de abrirnos a la sociedad y ofrecer también a las otras personas una oportunidad de crecer en conjunto. Pienso que la cuestión cultural tiene eso, hablar de la generosidad, de la entrega. Uno está creando y produciendo para que la persona crezca en su patrimonio interno es por eso que nosotros trabajamos mucho con las instituciones. Tenemos carencias, tenemos necesidades pero la verdad es que no nos podemos quedar simplemente en eso. Entonces dijimos ¿cuál es nuestro aporte? Nosotros en su mayoría hemos participado de la facultad como estudiantes, como egresados y hemos recibido de la sociedad un aporte y ese ha sido el aporte generoso de la sociedad hacia nosotros. Hoy por hoy nosotros estamos haciendo este grupo para hacer nuestro aporte a la sociedad al darle visibilidad a la producción cultural. Esto un circuito, si se corta, se corta en la cultura. No de una cultura producida para un sector. Todos somos capaces de disfrutar la cultura porque todos podemos ser productores de cultura.

- ¿Qué ganan?

Cecilia: Este grupo en particular a nivel económico: no gana. Pero realmente la satisfacción pasa por otro lado tiene que ver con la palabra que usó Eugenia el tema de la generosidad. Lo que recibimos, es la satisfacción de lograr romper ciertas barreras que vemos que hay dentro de la misma sociedad, de los mismos circuitos del arte, que a veces, son muy elitistas. Nosotros a medida que vamos logrando que un autodidacta se presente en nuestras convocatorias, y se lleve un premio, o que logremos que una señora de 60 años pinte y nos mande su carpeta pidiéndonos su opinión. A nosotros nos interesa que el arte llegue a todo el mundo. A medida que logramos que vaya llegando a un poco más de gente creo que esa es la satisfacción y eso es lo que hace que valga la pena hacer el esfuerzo. Obviamente que nos gustaría que ese proyecto se solventara solo. Por ahora no lo hemos logrado pero de a poco vamos logrando cosas. Me parece que ser inclusivos con nuestro proyecto ha logrado que muchas empresas, muchas instituciones nos apoyen. Cada año se va sumando alguien más y vamos de a poco logrando nuevos aportes. Creemos que a futuro el proyecto va a poder seguir solo. Ya te digo ganancia económica no nos interesa. Sí nos interesa que se mantenga solo.

- ¿Cuál es la que tiene menos espacio?

Matías: La independiente, quizás. Lo digo porque estoy en la gestión y producción de obras también.

- ¿De los siete artes?

Debe haber más de siete, es que para mí el fútbol también es un arte.

- ¿Conocés un pintor que se llama Messi?

¿Viste, dibuja o no dibuja? Volviendo a la pregunta, supongo que las más clásicas. Estamos como en un momento de “posposmodernismo” y tiene como mucha vigencia lo contemporáneo y quizás lo clásico está un poco olvidado la producción de lo clásico ¿no? Por ejemplo en el caso de la pintura, digo la pintura de caballete tradicional. Eso de ir a pintar al cerro por ejemplo, eso está un poco relegado.

- ¿Tucumán tiene clásicos?

Gabriel: Yo creo que sí, yo creo que sí. Se nota mucho la arquitectura por ejemplo de la ciudad. Así a primera vista.

- ¿Cuáles son las cosas que a vos te interesa pintar?

La temática que yo hago es lo regional, Tucumán. Tiene que ver mucho la foresta, que serían los árboles, los lapachos. Básicamente algo de paisajismo hay dentro de mi pintura pero muy contemporáneo ¿no? es bastante contemporánea. La que es la maloja de la zafra, la producción de la zafra, el paisaje en sí que hay en Tucumán.

- ¿Cómo es tu relación con el color?

Hermosa, fantástica. Utilizo colores preciosos para mí, muchos colores vivos, muchos colores que lo pongo dentro de lo que es el norte de la Argentina, también Bolivia con esos colores saturados que utilizan al momento de la producción de las prendas y todo eso. Tomo estos colores y trato de aplicarlo dentro de mi pintura.

- ¿Trabajas con esos acrílicos que parecen que no existen en la naturaleza

Sí, los utilizo. No es una pintura regional la temática que utilizo si bien tomo parte de lo regional. Vos ves lo que está, lo cotidiano lo que sería Tucumán. A los colores esos los utilizo constantemente.

- Cuáles son tus temas?

Eugenia: La temática que utilizo es personal e introspectiva. Es un caminar hacia las sensaciones y cómo plasmarlas. Sentimientos y traducirlos en imágenes. Mi búsqueda es tratar de trasmitir, a la persona que lo ve, el sentimiento que se vive en ese momento. No un impacto brusco, la verdad que no me interesa que la persona se espante, sino que con una estética agradable mandar mensajes que son muy crudos, que tienen que ver con ese espacio en común que tenemos todas las personas que es lo humano. Lugares que nos conectan de la propia historia hablando desde mi historia.

- ¿Con qué especialidad egresas de la Facultad?

Cecilia: Con la especialidad en pintura también, producía en algún momento pero cuando me voy a estudiar en Buenos Aires llego a un punto en el que me doy cuenta en que no se puede hacer todo ¿no? y decido abocarme directamente a la gestión. Abandono un poco la producción pictórica para dedicarme de lleno a la curaduría y la gestión como que a mi energía creativa la pongo en las curadurías.

- ¿Te limita creativamente la curaduría?

No, al contrario. La curaduría tiene como ese plus que te permite hacer nuevos discursos dentro de los discursos de los artistas. El curador que es el que organiza las exposiciones de arte. El curador tiene la posibilidad de plantear nuevas formas de mirar la obra ya vista. De repente agarrar una selección de obras de un patrimonio artístico y convertirla en un nuevo discurso sobre algún momento de la historia, contar algo más, entonces ahí te permite poner lo creativo dentro de lo que uno hace con una muestra.

- ¿Cuándo llevás adelante la gestión como la que están llevando adelante cómo te relacionás?

Matías: Y, con trabajo. Tratando de conseguir ese objetivo para poder expresar esa idea. Generando el espacio, las condiciones, predisponiendo el ambiente para que eso suceda. No solo desde mi obra sino desde la obra de otros compañeros.

- ¿Cómo lo generás?

Creo que hay que, primero encontrar la necesidad en la gente. Si está esa necesidad el espacio después aparece ¿no?

- Me da la impresión que estás en la parte más autóctona.

Gabriel: No, no pero bueno …

- ¿Por qué, cuál es la parte que estás vos?

Autóctono no, estoy en la parte de pintura. No, no es autóctono, no, no es autóctono.

- ¿Es exótica?

Eugenia: Perdón que me meta, el regionalismo no es exclusivamente pintar paisajes. Lo autóctono no es exclusivamente pintar indios. O sea que podría definirse lo tuyo por el hecho que vos tomás la temática.

Gabriel: No, es regional, no es autóctono.

Eugenia: Lo regional es autóctono. Es más bien una cuestión de palabras. Ahora tu versión de regionalismo tu versión de lo autóctono, a que sea contemporáneo, no significa que sea malo que sea autóctono.

- Ella ha encontrado la respuesta a tu pregunta.

Gabriel: Ella hace la curaduría de mi pintura imaginate. Ella sabe mejor lo que yo produzco.

Eugenia: ¡Ojo Félix! a los artistas les cuesta mucho hablar sobre su pintura. Uno de los tantos problemas que hemos encontrado en los artistas. Hemos traído un curso para que los artistas puedan aprender a presentarse. Vamos a traer el año que viene un curso para que los artistas puedan presentar un proyecto sobre su obra, explicándola, porque a los artistas les cuesta mucho hablar sobre su obra como que el medio de expresión del artista es su obra en sí, entonces comunicar desde otro lugar les cuesta mucho a los artistas.

- ¿Cuándo vos te plantás frente a un lienzo en blanco qué elemento tomás en cuenta?

Gabriel: Básicamente utilizo dos elementos: el lapacho y la maloja de la caña de azúcar. Sobre ello armo todo un discurso. Abro toda una temática colocando diferentes tipos de elementos ya más propios, más personales.

- ¿Cuál es la razón de la maloja en tu obra?

La polución que se genera acá en Tucumán, en el medio ambiente lo que sucede en el mes de junio, julio, agosto que es la época de la zafra. Tenemos un paisaje precioso. Vos podría mirar hermosamente los cerros tucumanos y no se los ven por las cenizas y justamente finalizando la zafra están naciendo los lapachos casi en septiembre donde podés apreciar el lapacho amarillo, el blanco, el fucsia con el cielo celeste como el que tiene Tucumán donde hay un contraste precioso que no lo podés disfrutar del todo. Lo podes hacer en otra provincia como Salta por ejemplo. El lapacho es muy del norte, también abarca Brasil en donde he estado en una época que había lapacho. Viendo un lapacho amarillo que reluce sobre el cielo celeste pero acá no lo podés lograr porque acá tenes un cielo gris horrible por la polución que hay. Básicamente por ahí lo trato de reflejar ¿no?

**- ¿Con tu pintura qué tratás de expresar?

Eugenia: El ser humano. Las personas históricamente atraviesan por lugares en común, que pueden ser estados de angustia, crisis, felicidad que cada quien tiene un modo diferente de vivirlo y de vivenciarlo. Sin embargo cuando uno sale del mundo de uno y se comunica con los otros se da cuenta que hay muchos más espacios en común, que quizás la diferencia no es tanta, como uno lo atraviesa es diferente. A mí me gusta puntualizar eso, esos puntos en común porque puedo hablar yo atemporalmente de una mujer hace mucho tiempo atrás sintió o vivió cosas similares. Me gusta ese tipo de conversación íntima que se establece con la otra persona. No son mis trabajos en grandes dimensiones. Es más, el pequeño formato ha sido siempre la forma del tamaño perfecto para hacer oír ese murmullo que se establece con el espectador. Justamente eso de lo que hablábamos. Porque todas las personas estamos atravesadas por sensaciones y sentimientos y es muy lindo sentir que vos te contactas, con una persona que puede ser tu vecino, en el diálogo íntimo que se establece. El diálogo es lo que motiva mi trabajo. Me ha pasado en algunas exposiciones, en que uno da un espacio para que te hagan devoluciones escritas, ver y decir ¿cómo puede ser que haya sentido eso? sobre lo que yo he plasmado, las distintas interpretaciones de las personas de distintas edades, de distintas nacionalidades. Eso es lo que a mí me reafirma el concepto de que todos tenemos una historia en común. Una historia que nos roza con el contexto social, nos roza con lo que nos sucede en el día a día y que también nos conecta con lo otro, que es totalmente atemporal y totalmente fuera de cualquier límite geográfico. Es lo que nos hace como seres humanos. Lograr transmitir esas sensaciones que con el dibujo es el desafío del artista. Es poder transmitir el mensaje que quiero a la persona que con su interpretación me devuelve.

- ¿Qué querés que la gente sienta cuando plantás una exposición?

Cecilia: A mí lo que más me interesa es que la gente entienda que el arte nos define, el arte forma nuestra identidad. La gente cuando vea una exposición vea que eso que recibe le sirve para cada uno como persona. Dentro de la nueva museología dicen que un museo no se forma por la cantidad de obras que tiene sino por la cantidad de gente a la que le enseña algo ¿no? Sobre todo eso: enseñar algo. Los artistas tienen cosas en común con la gente, los artistas sienten como uno, los artistas se preocupan por la ecología como uno, los artistas se preocupan por otros artistas como uno, que vean que a los artistas les cruza, los atraviesan las mismas problemáticas solamente que lo expresan desde otro lugar. Que se valore eso, que se valore esa expresión para que todo el mundo entienda que el arte es tan valioso como la salud, la educación, porque el arte: educa. Me interesa mucho lo que ve la persona que no tiene nada que ver con el arte. Cuando pienso que la persona no tiene nada de idea y que le deje algo, a esa persona. Entonces trato siempre de que los discursos que se armen tengan que ver con algo muy común y después con algo más complejo ¿no? Todo ese bagaje y todos los que vayan puedan llevarse algo.

- ¿Cuál es la cantera desde donde extraes gente para visibilizar?

Matías: La calle, el día a día, la escuela, la facultad, gente común que hace arte, gente común que lo hace en un taller, en su casa.

Gabriel: Nos pasó en el taller donde aparecieron autodidactas, chicos que nos presentaron proyectos que no tenían una formación académica, ni nada por el estilo. Se acercaron, presentaron sus trabajos, gustaron. Hubo un pibe el año pasado que recibió una mención fue uno de los elegido por el jurado que tuvimos. Era un autodidacta y su trabajo estaba a la par de un pibe que tenía formación académica.

Eugenia: Me parece que todo tiene que ver con el compromiso de esa persona. Hay gente que puede dedicarse a producir y no ha tenido la posibilidad en su vida de ir a una facultad o de estar en contacto con un maestro. Berni era autodidacta y es uno de los representantes de la pintura argentina. No tuviste una formación sin embargo eso no es excluyente. Vos tenes tu aporte que dar y hay gente que le interesa por eso. Hay una convocatoria en charlas y por eso han sido abiertas al público siempre y cuando exista esa predisposición que lo que reciba haga una devolución a sus compañero en su vida diaria.

Gabriel: La difusión que hacemos es que llegue a todos lados en lo más posible, que llegue a la persona menos pensada también lo pueda llegar a ver y pueda llegar a interesarse y si tiene la curiosidad y llegue a formar un proyecto no se sienta excluido, sino que sienta que él también puede.

Eugenia: Lo que pasa es que a veces el circuito del arte faltaba ese diálogo con la sociedad como que la gente sabe que existen los museos pero no sabe muy bien qué es, lo que está pasando. Saben que hay chicos que egresan todos los años de la Facultad y hacen exposiciones finales pero ¿cuál es la falta que estamos viendo?, la conexión de la gente que produce, las producciones y la sociedad toda, no la sociedad simplemente que consume arte ¿si? Tranquilamente hay gente que empezó a hacer más frecuentes sus visitas porque nosotros conocemos el valor y la importancia que tienen los medios de comunicación para todas las latitudes. En nuestra convocatoria ni siquiera sabíamos cómo habían llegado esas personas a nuestras bases y fue justamente por eso por utilizar los periódicos, televisión. Es valerse de eso. Hay quien dice que los medio de comunicación no tienen que ver con el arte: ¡claro que sí! Es una forma de comunicar.

Gabriel: Hablar con centros culturales de otras provincias, buscar en otras provincias, tratar de llegar a ellos de hacerle llegar a ellos la información nuestra, de crear un lazo con la otra gente para que ellos también pudieran informar a otra gente ¿no?

- ¿Uds solamente toman la pintura o tienen otros campos?

Eugenia: Las artes visuales en general, la pintura, escultura, fotografía, video pero dentro de las artes visuales, no avanzamos más allá pero en algún momento nos gustaría que fuera algo más general ¿no?

- ¿Alguna cosa que me quieran decir que no haya preguntado?

Lo que me parecía importante que nos ha unido desde el inicio al grupo desde que comenzamos es que las personas sí tienen la posibilidad de modificar las cosas y si se nota que hay alguna deficiencia o hay algo que del todo no está afinado hace falta tener la predisposición, las ganas y el compromiso de generar algún cambio. Yo creo que se nota mucho en los grupos de arte que se conforman que hay que salir un poco del problema de que de yo tengo un problema y yo quiero una solución para mi problema. ¡Yo quiero decir no! Hay un problema que se plantea socialmente, un poco la falta de diálogo, un poco la falta de interés hacia el otro: un poco la inversión hacia el otro. Esa famosa frase que uno planta árboles que otros van a disfrutar de su sombra. Un poco fue eso -nosotros en la sociedad- se encierra en las necesidades de uno y la cultura no crece, se muere. Así nosotros no vamos a heredar nada a las futuras generaciones, no es sencillo pero tampoco es imposible. Hay veces que cuando vos vas hablando con las instituciones, mostrando tu compromiso, un proyecto serio conseguís que las personas abran sus puertas y crean en vos y eso es lo que nos ha pasado a lo largo de los años. Porque ha ido creciendo el proyecto gracias al respaldo que las personas nos han dado y eso nos hace tomar confianza en el proyecto y nos da la posibilidad de seguir incorporando nuevos desafíos. Hoy por hoy implica un esfuerzo y un sacrificio de energía, económico de nuestra parte pero estamos convencidos de que esto va a llegar a buen puerto porque está formado justamente con generosidad./Félix Justiniano Mothe